Siga a ese coche

Hijo de Rambow

2009-03-28T04:35:00.000-07:00

Un niño imaginativo, pero totalmente coartado por su religión (una especie de Amish versión británica), jamás ha visto la televisión. En un estricto colegio inglés es, por tanto, el que está sujeto a un mayor número de obligaciones y prohibiciones. Por otro lado, el niño más rebelde y gamberro del colegio (es decir, el personaje más contrapuesto al suyo), se cuela en su vida. Rico, vive en una mansión junto a un hermano mayor déspota, la madre siempre en el extranjero, en un especie de laissez faire educativo muy propio, por cierto, de nuestros días, aunque los padres vivan en la misma casa que los niños.

"El niño Amish" y l'enfant terrible entrecruzan sus caminos. El segundo abre las puertas de la televisión al primero y, cosas del VHS, pierde la virginidad televisiva con la película "Rambo". Todos los valores tan sumamente cuidados durante toda su vida empiezan a tambalearse en la misma medida en que crece su necesidad de dar rienda suelta a su creatividad. Los dos niños se autoproclaman "hijos de Rambo" y deciden filmar sus propias aventuras secretas. Tendrán que ocultar sus intenciones a los ojos de los "Amish" y del hermano dictador, así como hacerle un hueco obligado a la nueva estrella del colegio, un francés que ha llegado en un intercambio y que ha importado un nuevo estilo de vida para los años 80, una especie de punk digno de los primeros Alaska y Dinarama.

Con estos ingredientes, mezclados en tono de comedia, que no cómico, la película habla de la amistad, la educación, la familia, de poner en tela de juicio los valores preestablecidos, del trabajo en equipo, la religión. Pero, sobre todo, habla de la creatividad como medio para entender todo lo anterior, para superar barreras y alcanzar metas imposibles.

Tiene un toque de Guillermo Brown, otro de "Rebobine por favor", algo de Billy Elliot. Una comedia con mensaje, con la modesta pretensión de contar algo, más allá de pasar un buen rato. No es una obra maestra, pero sí una película original, encantadora, entretenida y creativa. Hijo de Rambow es un juego de palabras, a medio camino entre "Rambo", el padre que los protagonistas nunca tuvieron, y "Rainbow", el arco mágico que en ocasiones aparece en el cielo, con sus colores imposibles, como una estrella polar que guía a los protagonistas. Un efecto visual como los que utiliza el montaje de vez en cuando, mezclando el dibujo animado (la imagniación) con la realidad. Un equilibrio necesario para entender y prosperar.

Buen cine

2009-03-17T15:00:00.000-07:00

Algunas series son buen cine, entendiendo como tal la capacidad que tienen para poner temas relevantes sobre la mesa y hacerlo con estilo, personalidad y eficacia.

Capítulo de El Ala Oeste de la Casa Blanca. Un chaval está condenado a muerte por asesinato. El presidente debe decidir en 24h si le perdona la vida. Tiene dudas. Le pregunta de manera informal a su ayudante personal, cuya madre murió asesinada:
- ¿Querrías asistir a la ejecución del asesino de tu madre?
- No, señor - pausa.- Querría matarlo con mis propias manos.

Toby Siegler, sarcástico director de comunicaciones.
- ¿Cómo podemos mantener la pena de muerte a chavales menores de 18 años? Somos el único país del mundo que ejecuta a menores, junto con China, Arabia, Irán, Nigeria. ¿Cómo no querríamos aparecer en una lista con estos países?

El presidente ha hablado con todos sus asesores tratando de saber cuál sería la decisión correcta. Varios le animan a perdonar al asesino, que es finalmente ejecutado. El presidente habla entonces con su cura, el que le ha visto crecer desde niño:
- ¿Por qué Dios no me ha enviado una señal sobre lo que debía hacer?
- Un hombre se sube al tejado de su casa durante una inundación. Pasa un barco, un tipo le dice "eh, sube, te vas ahogar". El hombre contesta "no, creo en Dios, que me quiere y me salvará". Al rato pasa un helicóptero, "cógete a la cuerda, te salvaremos". Contesta "no, creo en Dios, que me quiere y me salvará". El hombre murió ahogado. Cuando llegó a las puertas del Paraíso, le dijo a Dios: "Dios, yo creía en ti, confiaba en tu amor, tenía fe en que me salvarías". Dios le contestó: "Te he enviado un barco, y un helicóptero. ¿Qué más quieres que haga?" Te ha enviado a Toby, a Joss...

En un momento, la serie habla de la pena de muerte desde todos los puntos posibles. A favor, en contra, la opinión del agnóstico, del creyente, de la víctima. Habla de religión, de compromiso político y social, del funcionamiento interno de la Casa Blanca, de desesperación y esperanza. Habla de la débil frontera entre el Bien y el Mal. Del poder de la decisión y la presión de la responsabilidad. No hay buenos buenísimos ni malos malísimos, hay matices, hay debate, hay diversidad de opiniones, hay conflicto. El tema solo es, además, uno de los 2 o 3 que centran el interés de este capítulo de 42 minutos. Es una píldora de política inteligente, de análisis social, y contado con una maestría absoluta. Por eso El Ala Oeste es lo que es, y por eso el cine es lo que es, incluso en televisión.

La otra memoria histórica

2009-03-16T12:22:00.000-07:00

Polémica actual por la propuesta de ley del cine en catalán, subtitulado y doblado. Las distribuidoras llevan un cabreo considerable porque aumentarán sus costes; las majors también, por la misma razón; las pequeñas productoras igual, para ellas ya es un reto estrenar en nuestro país como para que encima deban dobler algunos costes de producción.

Los políticos se llenan la boca con eso de "hablemos de cosas que verdaderamente importan a los ciudadanos", es como "el fútbol es así". Parece que, una vez más, la propuesta de ley no responde a una verdadera demanda del mercado.

En cualquier caso, conviene diferenciar entre el cine doblado y el subtitulado. El cine doblado es una mutilación de la obra y una barrera para el aprendizaje. Merece la pena el esfuerzo en promover el cine en versión original, en cuyo caso la subtitulación en catalán sería no solo lícita, sino necesaria.

El cine doblado nació con Mussolini, que lo impuso en Italia supuestamente para proteger la lengua italiana. A Hitler le gustó la idea y la copió en Alemania. ¿Las tres Marías? Así es, seguidamente Franco impuso el cine doblado en España para proteger el castellano. Tres regímenes fascistas fueron los pioneros en doblar las películas. ¿Y actualmente, dónde se dobla el cine? Bingo: principalmente en España, Italia y Alemania.

Es curioso cómo a los progres de hoy se les ocurren las mismas soluciones que a los fachas de ayer. En este caso concreto, ¿qué hay de la memoria histórica?

Cine: arte, comunicación, manipulación

2009-03-04T14:03:00.000-08:00

El pasado lunes todos los diarios abrían en portada con el Oscar de Penélope, bien grande. Todos menos uno. Todos retrasaron el cierre hasta las 2,45 aproximadamente, momento en que Pe recogía su premio. Todos menos uno, El Mundo, que no mencionaba en ningún lugar la gran noticia del cine español.

La primera impresión de cualquiera en un quiosco es que simplemente no llegaron a tiempo.

Al día siguiente, martes, El Mundo incluye la noticia en portada, pequeña, marginada. "Puede que no quieran darle mucha coba, la noticia ya no es noticia porque ocurrió ayer". No obstante, el titular "Emborrachaos" dio demasiadas pistas (imagen adjunta). Era ofensivo, ridiculizante. No incluyeron a Penélope Cruz el día anterior porque no les dio la gana. Y el día después, quisieron darle poco protagonismo, y robarle todo el carisma y glamour, convertirla en la chica modesta que es, casi de pueblo, tan lejos de las estrellas de cine de Hollywood. Una paleta.

Pues no. Se ha ganado un lugar en el Olimpo. ¿Por qué un periódico de derechas no lo reconoce? Debería ser un nuevo argumento para hablar de España, en mayúsculas, a lo grande, un escaparate enorme, la mayor proyección internacional desde la invasión de Irak. ¿Será por su relación con Bardem? Los Bardem, una familia odiada por la derecha y venerada por la izquierda. ¿Pero no debería estar el cine por encima de la lucha política entre medios?

Esta politización del cine es irritante. Sin embargo, alguien podría argumentar, con razón, el "y tú más", porque los Bardem fueron los primeros en aprovechar su posición social para denunciar la guerra de Irak. No a la guerra. Y estoy de acuerdo con el lema, y especialmente en aquel caso, en un 300%.

El cine es arte, y también es una forma de comunicación. La lista de Schindler denuncia un episodio dramático de la historia. Los lunes al sol habla de los parados en Galicia. La cortina de humo, Frost vs Nixon, JFK, Primera plana. La lista sería interminable. El cine es una forma de expresión lícita. Nunca mais a la censura, por ejemplo, del franquismo.

Lejos de los platós y las cámaras, las estrellas aprovechan el tirón social e internacional, "vota a Obama". Acuden a mítines para salir en la foto, "yo, con Zapatero". Como en los anuncios de las natillas, "soy famoso, hago ver que como natillas, tú harás lo mismo que yo". ¿Es lo mejor que sabeis hacer? ¿De verdad los políticos no pueden convencer a la gente con simples argumentos?

No solo eso, El Mundo pretende desprestigiar a una actriz, una artista, por su vinculación con la izquierda.Es una paleta. Me pregunto cómo serán las críticas de cine en El Mundo una vez creada esta separación entre izquierda y derecha, entre el bien y el mal.

Alguien debería hacer pronto una película sobre el tema.

PD: Marta me alertó del asunto El Mundo - Oscar Penélope Cruz. La parte inicial del post es fruto de su reflexión.

Vicky Cristina Barcelona

2009-02-28T05:04:00.000-08:00

El nombre es casi tan estúpido como la película. Parece escrito por un niño de 8 años en la redacción de la clase. Más o menos, todo es así en la última obra de Woody Allen.

Desconfío de los autores tan prolíficos. Cuando Calamaro editaba discos con 200 canciones, se salvaban 2. El resto eran copias, parodias de uno mismo. Con Woody Allen ocurre algo parecido. De sus películas de los últimos años se salvan muy pocas, y Vicky Cristina Barcelona no se cuenta entre ellas.

Diálogos infantiles, situaciones absurdas, y la presentación de Barcelona desde el punto de vista más cateto posible. Parece pensada para triunfar entre los ciudadanos de la América profunda con encefalograma casi plano. Ups, ha sido más o menos así.

La banda sonora es mala hasta causar dolor. Los personajes son planos. La famosa actuación de Penélope Cruz es muy buena. ¿Para un Oscar? Es un papel menor en una película pésima. Es cierto que ella es lo mejor de Vicky Cristina Barcelona, pero no se puede comparar, por ejemplo, a su personaje en Volver.

Woody Allen ha tenido el acierto de volver a triunfar en USA, donde pocas de sus películas han conseguido buenas críticas y recaudaciones. También ha llevado a la primera actriz española a un Oscar. Algunos dicen que la película no la rodó él. Quizá haya sido un juego, una tomadura de pelo premeditada, harto de sus fracasos en su propio país, "aquí teneis lo que queréis, banda de palurdos". Si es así, VCB es una obra maestra que intentaré premiar con el más rotundo de los olvidos.

Frost vs Nixon

2009-02-18T13:29:00.000-08:00

Película excelente con una limitación importante.
Vayamos con lo de "excelente": la dirección, el guión, los actores... Difícilmente superable. La limitación: la historia real sobre la que gira el argumento no deja de ser una anécdota.

La película habla de la entrevista del periodista David Frost al expresidente Nixon. Habían pasado un par de años del Watergate y la dimisión de Nixon. Ford, su sucesor, le perdonó nada más aterrizar en el despacho oval todos los pecados habidos y por haber. El pueblo americano se quedó sin saber qué pasó realmente, cuál fue el papel de su presidente en el desastre del Watergate.

Paralelamente, Frost buscaba un pelotazo que le devolviera el prestigio y fama más o menos perdidos. Nadie apostó por él, un perfil "talk show", para entrevistar a Nixon. Su lucha por conseguir los medios que le permitieran entrevistar a Nixon (que pedía 600.000 dólares de la época por conceder la entrevista), es uno de los grandes puntos de interés.

Por otro lado, Nixon pensó que podría lavar su deteriorada imagen pública toreando a un periodista supuestamente de tercera fila como David Frost, y contarle al mundo las muchas cosas positivas que hizo por Estados Unidos antes del Watergate.

La lucha de egos y mentes es apasionante, así como los círculos de intereses encontrados que rodeaban a cada bando. No obstante, cuesta olvidar que, en realidad, aquella entrevista fue una mera anécdota (Nixon estaba retirado, y aquel encuentro no tenía ninguna posibilidad de cambiar la historia). Es decir, lo verdaderamente grave fue el Watergate en sí mismo, lo que dijera un protagonista 2 años después roza lo anecdótico. Pero, superada esa barrera, detrás del famoso periodista y el expresidente odiado, hay dos personas de carne y hueso, con sus problemas e intereses propios, que disputan una batalla noble e inteligente para conseguir sus propios objetivos. Eso le devuelve el interés. Probablemente no es una película que pasará a la historia del cine pero es inteligente, interesante, entretenida y está muy bien hecha. Está contada, por cierto, al estilo clásico, en realidad es una obra de teatro convertida en película; como anécdota, Michael Sheen, que ya estaba interpretando a Frost en Broadway, recibió la oferta para participar en la película un lunes, y el jueves siguiente estaba rodando.

Slumdog Millionaire

2009-02-11T14:44:00.000-08:00

SLumdog millionaire es una buena película, excelente en algunos aspectos, mediocre en otros, que los medios quieren convertir en una obra maestra. De la misma manera que la propaganda de Goebbels convencía a la gente del peligro de los judíos, los medios quieren convertir a S.M. en la película del año. Está de moda. Es arriesgada (cierto). Es diferente (cierto) a las grandes producciones de Hollywood que tanto molestan, aunque algunas sean muy buenas, incluso mejores.

Da igual que la historia sea totalmente inverosímil. Es una pena, porque SM pone sobre la mesa la forma espantosa en que viven millones de personas en la India. Y además lo hace a lo grande, con una dirección soberbia y una fotografía impresionante. Demasiada realidad. Vamos a calzar un final feliz. Lo venderemos como una comedia, a la crítica le pondrá nuestro rollo bollywoodiense, y nos haremos pasar como la típica "película independiente de bajo presupuesto se cuela en los Oscar", mientras sacamos el careto en todos los buses de Barcelona. Básico el "conmovedora" bien grande de algún crítico pedante.

Basura aparte, y pese a algunos fallos importantes, es una película muy recomendable.

9/11

2008-04-02T16:41:00.001-07:00

Documental, uno más, sobre el 11 de septiembre de 2001 en Nueva York. Valor diferencial: esta obra está grabado por los propios bomberos. Resulta que dos hermanos franceses se metieron en la compañía de bomberos de Manhattan situada junto al World Trade Center en primavera de 2001. Su objetivo era mostrar cómo un joven se convierte en hombre a través de los 9 meses que duran las prácticas en el cuerpo de bomberos de la ciudad.

De manera que el 11 S estaban allí, los dos hermanos, y cada uno de ellos grabó mucho material con sus respectivas cámaras.

Es especialmente recomendable ver un documental de este tipo tras una visita reciente a la ciudad: con las imágenes de sus gentes y de sus calles frescas en la memoria, uno tiene la sensación de que comprende mejor cómo pudo afectar aquel atentado a la capital del mundo.

Me quedo con dos sonidos contrapuestos del documental y un comentario: por un lado, el ruido seco, constante y espantosamente violento que captaron las cámaras en el hall del WTC cada vez que alguien se tiraba al tejado desde 80 plantas más arriba; en contraposición, el silencio brutal de la zona cuando las torres cayeron. Un silencio increíble, sobrecogedor.

EL comentario, un bombero en la Zona Cero 48 horas después del desastre: “debajo mío hay dos edificios de oficinas de 110 plantas cada uno, y en dos días no he encontrado nada reconocible, ni un trozo de silla, ni de una mesa. El trozo de “algo” más grande que he visto son 10 cm resquebrajados del frontal de un teléfono”.

Este documental no pretende juzgar a nadie, ni tampoco buscar causas o soluciones. Simplemente, muestra lo que pasó, incluyendo las únicas imágenes existentes desde dentro de los edificios. Muy recomendable, sobre todo para los fans de la Gran Manzana.

Into the wild

2008-02-28T17:40:00.000-08:00

Como suele ocurrir, la película no llega al nivel del libro, pero no deja de ser impresionante, además de una gran obra. Un buen casting, liderado por un Emile Hirsch que gana en credibilidad a medida que avanza la historia. Destaca Hal Holbrook, nominado al Oscar por su pequeño papel en la película. Su participación es antológica.

La historia del protagonista, Christopher McCandless, es real. Y muy impactante. Tanto, que no hace falta guarnición, y Sean Penn, en su tercera película como director, se excede un poco con el estilo. Recursos propios del mundo de la publicidad o del videoclip, de gran vistosidad, realizados incluso con buen gusto, pero prescindibles.

En el mercado hay dos bandas sonoras de la película. Una, con Eddie Vedder a la cabeza y composiciones rockeras. La segunda, de contenido más instrumental, es menos conocida pero más emocionante.

No obstante, lo que realmente queda de Into the wild es la historia. ¿Por qué un joven de éxito y de buena familia decide desaparecer en Alaska indefinidamente? En solitario, sin apenas preparación y sin un solo mapa. La incógnita atrapó a Jon Krakauer, autor del libro “Hacia rutas salvajes”, y convirtió a Chris en un personaje poco menos que de culto. Una historia fascinante, que contiene el aliento, ya sea en formato película o novela. Probablemente, el secreto está en la búsqueda de la máxima expresión de la sencillez del ser humano, como simple parte de la naturaleza. Una sencillez que se echa de menos cuando Sean Penn nos cuenta su versión.

Chris Mccandless no dejó indiferente a nadie. Su espíritu aventurero e inconformista lo convierte en un héroe. Su elección de no avisar a nadie de su marcha, ni dar señales de vida hasta el fin, lo convierte en un egoísta. Para la gente de Alaska, alguien que se adentra en el mundo salvaje sin un mapa, y que muere a 6 kilómetros de un puente salvador, de un puesto de auxilio, y muy cerca de una carretera, es simplemente un estúpido.

Lástima que no esté aquí para contarnos su verdad. Sin embargo, como en las grandes historias, Into the wild remueve algo en nuestro interior que nos anima a buscar la nuestra. Un viaje apasionante e imprescindible.

TITULO ORIGINAL Into the Wild
AÑO 2007 Ver trailer externo

DURACIÓN 140 min.

PAÍS USA
DIRECTOR Sean Penn
GUIÓN Sean Penn (Libro: Jon Krakauer)
MÚSICA Eddie Vedder
FOTOGRAFÍA Eric Gautier
REPARTO Emile Hirsch, Vince Vaughn, William Hurt, Kristen Stewart, Catherine Keener, Marcia Gay Harden, Hal Holbrook, Zach Galifianakis, Haley Ramm, Jena Malone, Catherine Keener, Brian Dierker
PRODUCTORA Paramount Vantage / River Road Entertainment
WEB OFICIAL http://www.haciarutassalvajes.es/

Una jaula de grillos

2007-12-26T15:17:00.000-08:00

Remake de “ Vicios pequeños”, comedia francesa de 1978. Esta vez la historia está interpretada por Robin Williams, Gene Hackman, Diane Weist, Nathan Lane, Hank Azaria y Calista Flockhart. También por el flojo Dan Futtermann, que no ha superado su papel en la menor pero divertísima "Como pez en el agua”.

La dirección es, nada más y nada menos, obra de Mike Nichols (“Armas de mujer”, “Lobo”, “A propósito de Henry”, “Closer”, “El graduado”, entre otras). El resultado, una película de risa fácil pero realmente muy resultona. La trama, que habla de la homosexualidad, prejuicios y política, carece de profundidad y se queda en la primera capa, una comedia pura que apuntaba a algo más.

Muy recomendable para echar unas risas en una tarde noche tonta. Por lo demás, exceptuando la buena actuación de Nathan Lane y Hank Azaria, es una mancha en el CV de Williams, Hackman y demás, por bueno que sea su trabajo.

TITULO ORIGINAL The Birdcage
AÑO 1996

DURACIÓN 118 min.

PAÍS USA
DIRECTOR Mike Nichols
GUIÓN Elaine May (Remake: Jean Poiret, Francis Veber, Edouard Molinaro, Marcello Danon. Obra: Jean Poiret)
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Emmanuel Lubezki
REPARTO Robin Williams, Gene Hackman, Nathan Lane, Dianne Wiest, Hank Azaria, Christine Baranski, Calista Flockhart, Dan Futterman, Tom McGowan, Grant Heslov, Kirby Mitchell, James Lally, Luca Tommassini
PRODUCTORA MGM / UA

Los tres mosqueteros

2007-12-26T14:44:00.000-08:00

Es una película de otros tiempos. Se nota en la extraña mezcla de aventura, comedia y drama. Hoy no se acabaría una película, en la que la novia del prota acaba de palmar, con el propio prota viudo saliendo felizmente por la puerta porque no va a la cárcel.

No obstante, son temas menores. Hay que entender que el cine en 1948 era otra cosa. Vista hoy, la película de George Sidney es una entretenida, y en ocasiones muy divertida, versión de la historia de los mosqueteros. Acelerada, loca, pasional y dramática. Curiosamente, el rigor histórico de la película es pobre. En cambio, 60 años después es un buen ejemplo de cine de la época.

El reparto cuenta con Gene Kelly, Lana Turner, Vincent Price y una jovencísima Angela Lansbury.

Ficha técnica
TITULO ORIGINAL The Three Musketeers
AÑO 1948

DURACIÓN 128 min.

DIRECTOR George Sidney
GUIÓN Robert Ardrey (Novela: Alejandro Dumas)
MÚSICA Herbert Stothart
FOTOGRAFÍA Robert Planck
REPARTO Gene Kelly, Lana Turner, June Allyson, Frank Morgan, Van Heflin, Robert Coote, Angela Lansbury, Vincent Price, Reginald Owen, Gig Young

Descubriendo nunca jamás

2007-11-29T17:55:00.000-08:00

Puede que tenga un punto de cursi y otro de facilona, pero no deja de ser una película emocionante y encantadora. Johnny Depp y Kate Winslet están fantásticos, y la historia es simplemente muy buena. Narra los motivos que llevaron a James Barrie a inventar, nada más y nada menos, que a Peter Pan. Para ello, la película de Marc Forster habla del teatro en Inglaterra en el s XIX, del inesperado fracaso del matrimonio de un novelista de éxito con una mujer rica, de la vida de cuatro huérfanos de padre y su madre, de las relaciones e implicaciones sociales entre todos ellos…

Y sobre todo, habla de la fantasía y la realidad, de la estrecha frontera que los separa y de la importancia de encontrar el equilibrio entre ambas.

No hay final feliz, lo que añade credibilidad al mensaje. En la vida hay buenos y malos momentos. Hay momentos para la fantasía y momentos para la realidad. ¿O no era así? Quizá la fantasía sea lo mejor para soportar la realidad. No os la perdáis.

Ficha técnica

Dirección: Marc Forster.
Países: Reino Unido y USA.
Año: 2004.
Duración: 106 min.
Género: Drama.
Interpretación: Johnny Depp (Sir J.M. Barrie), Kate Winslet (Sylvia Llewelyn Davies), Julie Christie (Emma du Maurier), Radha Mitchell (Mary Ansell Barrie), Dustin Hoffman (Charles Frohman), Eileen Essell (Sra. Snow), Freddie Highmore (Peter Llewelyn Davies), Joe Prospero (Jack Llewelyn Davies), Nicholas Roud (George Llewelyn Davies), Luke Spill (Michael Llewelyn Davies), Ian Hart (Sir Arthur Conan Doyle), Kelly Macdonald (Peter Pan).
Guión: David Magee; basado en la obra "The man who was Peter Pan" de Allan Knee.
Producción: Richard N. Gladstein y Nellie Bellflower.
Música: Jan A.P. Kaczmarek.
Fotografía: Roberto Schaefer.
Montaje: Matt Chessé.
Diseño de producción: Gemma Jackson.
Dirección artística: Peter Russell.
Vestuario: Alexandra Byrne.
Estreno en Reino Unido: 29 Oct. 2004.
Estreno en España: 11 Febrero 2005.

Desayuno con diamantes

2007-11-28T16:00:00.000-08:00

Buen trabajo de Blake Edwards. En realidad, la clase inmensa de Audrey Hepburn se lo pone fácil, pero el director merece un reconocimiento: tiene mérito que el Hannibal del Equipo A (George Peppard) tenga cierta verosimilitud como pareja de la Hepburn.
Con un cásting muy cuidado (Villalonga y el marido de Holly destacan por encima del resto), la película se deja ver. “Han hecho un libro de la película y todo”, así que tengo curiosidad por leer la novela de Capote. La versión cinematográfica es un poco irregular: Hepburn tiene grandes y glamourosos momentos, pero también flojea en algunas secuencias; el ritmo se pierde en algunas ocasiones y, sobre todo, no me creo el final. Parecía una resolución brillante del problema que se plantea (la difícil personalidad de Hepburn, llegada del mundo rural, con aspiraciones sociales y económicas bien representadas por el escaparate de Tiffany’s, que entre tanta ambición no sabe apreciar lo verdaderamente importante en la vida), hasta que ella se baja del taxi y da lugar a “un final feliz made in Hollywood” bastante decepcionante.
Aún así, Hepburn y Mancini, con su histórico “Moon River”, escribieron merecidamente una página en la historia que, como tal, es muy recomendable.

• Género: Cine / Comedia
• Nacionalidad: EE.UU
• Duración: 109 minutos
• Año: 1961
• ACTOR: Audrey Hepburn, Patricia Neal y George Peppard
• DIRECTOR: Blake Edwards
• Calificación moral: TODOS LOS PÚBLICOS

Centauros del desierto

2007-11-19T17:05:00.000-08:00

La tenía por una obra maestra indestructible. Tras varios debates conmigo mismo, familiares y desconocidos internautas (por este orden), creo que es una gran película clasificada injustamente como obra maestra.
Una película no puede rozar la perfección cuando uno de los personajes principales, la chica cuya búsqueda desencadena las aventuras de John Wayne, está tan mal construido. Su cambio de parecer respecto a sus familiares no tiene por dónde cogerse. Ni tampoco algunos diálogos, ni la espantosa elección del indio malo en el casting, ni los cambios de género sin sentido (drama, comedia, aventura, oeste). Hoy día sería impensable que asesinaran a la familia del protagonista (niños incluidos) y el director pasara el asunto de puntillas.
Aún así, es una gran película. Trata infinidad de temas susceptibles de profundo debate (indios vs vaqueros, el hombre solitario que sin ejército no es nada, el reverendo – sheriff todopoderoso que combina dos peligrosos y jugosos poderes, la dignidad de un músico tontorrón cuando pierde a su esposa ante la llegada del tipo duro y guapo, el choque frontal entre la juventud de este último y la experiencia de John Wayne…
Hay muchos otros temas. En general, es un buen retrato de un mundo determinado desde un determinado momento (1956). El estilo narrativo ha cambiado mucho. Actualmente nos lo dan todo mascado. Esta vez, John Ford toca muchas notas y deja que cada uno de nosotros las interprete a su manera. En definitiva, invita a pensar al que quiera leer entre líneas. Y el que no, pasará un rato entretenido.
Mención especial para la fotografía de Winton C. Hoch. Cualquier fotograma de la película es digno de un poster de enormes dimensiones en un salón de buen gusto.

TITULO ORIGINAL The Searchers
AÑO 1956
DURACIÓN 119 min.
PAÍS USA
DIRECTOR John Ford
GUIÓN Frank S. Nugent
MÚSICA Max Steiner
FOTOGRAFÍA Winton C. Hoch
REPARTO John Wayne, Natalie Wood, Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles, John Qualen, Olive Carey, Henry Brandon, Ken Curtis, Harry Carey Jr., Hank Worden

Manuale d'Amore

2007-10-30T17:08:00.000-07:00

Generosidad excesiva de la crítica para tan poca película. Pese a un comienzo esperanzador, el guión se pierde al intentar contar demasiadas historias, demasiado inverosímiles, y con unas interconexiones absurdas. La guinda la pone la última de ellas, en la que un personaje simplón, de unos 60 años, acaba emparejado con una atractiva joven que acaba de conocer. Le precede un parado obsesionado con una desconocida, una crisis de pareja de mediana edad, los cuernos de una policía y, finalmente, el divorcio de un pediatra. Así, a grosso modo, podrían ser historias con mucho que contar. No es el caso.

Apenas se salva algún chiste gracioso, que no bueno, y la dudosa virtud de conseguir que pases el rato una noche de martes después de haber pasado innumerables horas sentado en la silla de tu despacho.

Dirección: Giovanni Veronesi.
País: Italia.
Año: 2005.
Duración: 116 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Carlo Verdone (Goffredo), Silvio Muccino (Tommaso), Luciana Littizzetto (Ornella), Sergio Rubini (Marco), Margherita Buy (Barbara), Jasmine Trinca (Giulia), Rodolfo Corsato (Alberto Marchese), Dino Abbrescia (Gabriele), Dario Bandiera (Piero), Luis Molteni (Abogado de Goffredo), Anita Caprioli (Livia).
Guión: Ugo Chiti y Giovanni Veronesi; basado en un argumento de Vincenzo Cerami.
Producción: Aurelio de Laurentiis.
Música: Paolo Buonvino.
Fotografía: Tani Canevari.
Montaje: Claudio Di Mauro.
Diseño de producción: Luca Gobbi.
Vestuario: Gemma Mascagni.

Los Dalton contra Lucky Luke

2007-10-30T17:04:00.000-07:00

Los primeros 10 minutos de la película son lo peor que puede esperar un espectador ingenuo que quiere pasar un rato más o menos entretenido. El resto de la película, simplemente, no lo sé, porque preferiría una muerte lenta antes que seguir sufriendo un guión pésimo, unas actuaciones peores y una colección de estupideces sin sentido. Es como si todo fuera obra del mismísimo Averell Dalton o del perro Rantanplán.

Dirección: Philippe Haïm.
Países: Francia, Alemania y España.
Año: 2004.
Duración: 86 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Eric Judor (Joe Dalton), Ramzy Bedia (Averell Dalton), Romain Berger (William Dalton), Saïd Serrari (Jack Dalton), Til Schweiger (Lucky Luke), Javier Gil Valle 'Javivi' (El Tarlo), Jean Benguigui (Jefe del pueblo), Marthe Villalonga (Mamá Dalton), Sylvie Joly (Ma Billy), Ginette Garcin (Ma James), Marie-Pierre Casey (Ma Cassidy), Elie Semoun (Doxey).
Guión: Michel Hazanavicius; basado en los personajes del cómic "Las aventuras de Lucky Luke" de Morris en homenaje a René Goscinny.
Adaptación y diálogos: Eric Judor, Ramzy Bedia y Michel Hazanavicius. Adaptación española de Juan Cruz.
Producción: Yves Marmion y Saïd Ben Saïd.
Música: Alexandre Azaria.
Fotografía: David Carretero.
Montaje: Richard Marizy.
Diseño de producción: Olivier Raoux.
Vestuario: Charlotte David.

Cuando éramos reyes

2007-10-22T17:31:00.000-07:00

Excelente documental que habla de la repercusión política y social que tuvo el combate Alí vs Foreman en 1974: el papel de nuevo Mesías que se otorgó a sí mismo Alí, como "salvador" de la raza negra mundial; el ocaso de Foreman, campeón vigente del mundo y más negro, si cabe, que el propio Casssius Clay; Don King, el promotor, como ideólogo de un enfrentamiento histórico que pusiera a África en el mapa de interés internacional; el presidente de Zaire, interesado en dar a conocer a su país y, sobre todo, su dictatorial ego; la locura de los medios, principalmente representados por blancos, por cubrir aquel hito histórico; el papel de la música negra, con James Brown a la cabeza, luchando por los derechos de su raza.

Muchas cosas, en definitiva, y todas ellas tratadas con interés y profundidad. Incluyendo el aspecto puramente deportivo. Asoman algunos datos espectaculares (como el probable asesinato de 100 personas al azar por parte del presidente de Zaire, para dar ejemplo y mantener el orden en sus calles). Un trabajo sorprendente, muy bien documentado, imprescindible para entender mejor la arrolladora personalidad de Cassius Clay y su enorme influencia deportiva y social.

Como único inconveniente, las secuencias musicales demasiado largas en algunas ocasiones.

TITULO ORIGINAL When We Were Kings
AÑO 1996

DURACIÓN 87 min.

PAÍS USA
DIRECTOR Leon Gast
GUIÓN Leon Gast
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Varios
REPARTO Muhammad Ali, James Brown, George Foreman, Spike Lee, Don King, Norman Mailer, George Plimpton
PRODUCTORA Gramercy

Hollywood y la historia americana

2007-10-18T15:46:00.001-07:00

Discutía recientemente con En la encrucijada en su blog Facingdilemmas sobre el papel de Hollywood como narrador de la historia americana. El autor afirmaba que “los americanos no están acostumbrados a perder (Hollywood así lo ha publicitado durante años)”.

Me parece una realidad indiscutible en muchas de las películas americanas, pero creo que también lideran el mercado en contar historias sobre sus propios fracasos. Empezando por las guerras (desde la conquista del Oeste hasta la guerra del Golfo, pasando por la guerra civil, las Mundiales o Vietnam). También cuentan con trabajos que hablan del asesinato de Kennedy, de su mafia, del hundimiento de las Torres Gemelas, o ridiculizan el poder político americano en otras muchas ocasiones, por no hablar de Michaels Moore. Es decir, que su cine también cuenta con una voz crítica capaz de revolver en su basura, cosa que en nuestro país, por ejemplo, escasea. Y lo mismo podemos decir de su cine como herramienta de transmisión de su propia historia.

Creo que hay pocos países en el mundo con esa capacidad para hablar de sus recuerdos y problemas colectivos, y no sólo narrar historias individuales. No digo que no existan (a botepronto me vienen a la cabeza “Salvador”, “La vida es bella” o “El hundimiento”), pero en general las producciones europeas no asoman la cabeza en este tipo de desastres. ¿Falta de dinero? ¿Falta de interés? ¿Por qué existen tan pocos trabajos, por ejemplo, sobre nuestra guerra civil?

Este interés en mantener la parte oscura de uno mismo en la conciencia colectiva lo he visto reflejado también en una entrevista que he leído recientemente al novelista John Berger:

“¿Por qué relatamos historias? ¿Para pasar el rato? A veces. ¿Para decir algo que no ha sido dicho todavía? Sí, a veces. […] A veces parece que el relato tenga voluntad propia, la voluntad de ser repetido, de encontrar un oído, un compañero. Como los camellos cruzan el desierto, así los relatos cruzan la soledad de la vida, ofreciendo hospitalidad al oyente, o buscándola. Lo contrario de un relato no es el silencio o la meditación, es el olvido”.

Match Point

2007-10-15T17:53:00.000-07:00

Hacía mucho tiempo que una película no me sobrecogía. Woody Allen consiguió alterar mis nervios con su trabajo menos alleniano que recuerdo. El director no sólo se aleja de la comedia (muchas de sus obras son dramas), para adentrarse en el puro thriller, sino que, además, abandona alguno de los puntales de sus películas, como por ejemplo el jazz. Es más, Match Point ni siquiera tiene banda sonora, apenas la ópera que los propios protagonistas pinchan en varias secuencias.
El conflicto entre parejas desaparece, y todo gira en torno a un único personaje. Masculino, para más señas y, otro cambio, no se trata de un perdedor ni de un alter ego de Allen, sino de un tipo guapo y brillante con una gran carrera profesional.
La película, además, se rodó lejos de Manhattan, en Londres. Cuenta con un casting espectacular, más por la calidad de las interpretaciones que por los nombres (desde la pareja de hermanos al comisario de policía).
Match Point es un entretenidísimo ejercicio sobre el papel de la fortuna en nuestras vidas, cuenta con un guión sorprendente (y mucho), y con una Scarlett Johansson espectacular, a pesar de que, en su presentación, el diálogo es digno de la peor película de serie B.
En definitiva, una apuestas arriesgada de Woody Allen y un cambio de registro cuyo esfuerzo siempre debe ser apreciado en los artistas. No obstante, es una película que no ofrece debate. A diferencia de otras películas menores de Allen, entre las que incluyo muchas de sus comedias, Match Point no deja de ser puro entretenimiento. No vislumbro un tema a debatir más allá de la obviedad de que la pelota pase o no al otro lado de la red. Como en una novela de Agatha Christie, los personajes apenas evolucionan. La trama está por encima de ellos, cuando lo que permanece en el recuerdo son los personajes, las personas que alguien inventa y con las que el espectador se siente (o no) identificado. Probablemente, con los años se recordará Match Point como una buena película que, simplemente, hace pasar un buen rato. Ni más, ni menos.

Casino

2007-10-15T17:52:00.001-07:00

Espectacular película de Scorsese. Quizá le sobre metraje, pero sólo los primeros 15 minutos de Casino ya merecen la pena, con una presentación de los personajes memorable. Con un estilo muy personal, un talento desbordante y una capacidad narrativa arrolladora, Scorsese arrasa con el principio de su película. Cada plano merece ser estudiado con detenimiento, aunque apenas dure un par de segundos.
Los personajes de Casino están muy bien construidos. Robert de Niro hace una de sus mejores interpretaciones, como Sharon Stone, aunque en este último caso el listón estaba realmente bajo. Joe Pesci se interpreta a sí mismo, pero no deja de ser un actor solvente que crea un personaje verosímil.
Casino se mueve en un terreno que más o menos todos conocemos, los casinos de Las Vegas y la mafia. Pero tres horas dan para mucho, y Scorsese profundiza bastante en el papel económico y político de unos y otros. Una obra, en su género,en la línea de “Seis de los grandes”, la magnífica novela de James Ellroy, que mete la pluma en lo más profundo del estómago del poder norteamericano. Y, como es de esperar, apesta, en la misma medida en que resulta apasionante.
La diferencia entre ambas historias está en que Scorsese, sutilmente, se pone del lado de los malos. Ocurre con otras obras de envergadura , como la saga de “El Padrino”, “Los Soprano”, o “Uno de los nuestros” del propio Scorsese. En el fondo, no son más que glorificaciones del crimen organizado. El espectador sabe a qué se dedican, e incluso es testigo de algunas de sus atrocidades, sin omisión de detalles sangrientos, pero en el fondo deseamos que a Robert de Niro, a Marlon Brando o a Al Pacino les salgan bien las cosas. Sin duda son gente interesante que lleva una vida interesante, pero no hay que olvidar que, en el mundo real, son una de las grandes pestes de nuestra sociedad, y buscar nuestra identificación con ellos, además de tramposo, es poco saludable.

Dos hombres y un destino

2007-10-15T17:51:00.002-07:00

La primera secuencia de la película descoloca: uno espera ver un entretenimiento a mayor gloria de Paul Newman, Robert Redford y Katharine Ross, y se encuentra con una larguísima secuencia, en tono sepia, en la que Redford discute con un tipo de espaldas. Se trata de un primer plano del actor y un recurso que, en una película de Jarmusch, muchos tacharían de inncesario y aburrido.
En este caso el director es George Roy Hill, y consigue una interesante combinación de película para todos los públicos y el cine de autor. La historia real de Sundance Kid y Butch Cassidy es apasionante. En Internet hay numerosas páginas que hablan de sus aventuras en todo el continente americano. En cuanto a la película, hay voces discordantes y no existe un término medio: o la detestas o la consideras un clásico. Personalmente, me inclino por lo segundo gracias a:
- La historia tiene peso. Dos bandoleros de renombre, la aventura de vivir al otro lado de la ley el siglo pasado…
- El casting. Paul Newman y Robert Redford son alguien en la historia del cine. De Katherine Ross no diré nada por temor a las represalias de mi mujer.
- El director. Roy Hill utiliza recursos realmente sorprendentes. Lo son hoy, y debían serlo mucho más en 1969.
- La banda sonora. Se llevó un Oscar (también el guión fue premiado). El trabajo de Bacharach es realmente bueno.
Por mantener un mínimo de coherencia con la crítica anterior, no debería sernos tan fácil la identificación con dos tipos que se dedicaron a robar bancos y a matar gente. Scorsese y Coppola lo bordaron con la mafia, y Roy Hill hizo lo propio con Newman y Redford. No ocurre lo mismo con “El golpe”, que reunió al mismo equipo de director y actores, porque hablamos de delitos de guante blanco. Es como si alguien hace en el futuro una película del Solitario, el atracador de bancos que fue detenido hace poco en Portugal, y nos muestra su lado humano. Seguro que lo tiene, pero no me da ninguna pena que pase el resto de su vida entre rejas. En cambio, me encantaría cenar con Sundance Kid y Butch Cassidy, junto al fuego, en algún escondite del Oeste americano. Cosas del cine.

Closer

2007-10-15T17:51:00.001-07:00

Interesante película, aunque tras varios días de análisis sigo sin saber por qué. Dirigida por Mike Nichols, cineasta alemán que, entre otras, rodó El Graduado en 1967, cuenta con un buen guión y buenos actores. Pero nada más que “buenos”. No estamos ante un guión inolvidable ni interpretaciones históricas. Es más, no hay nada en esta historia, ni tampoco en estos personajes, que merezca especial mención.

El azar, la búsqueda de uno mismo y del sentido de tu propia existencia, el conformismo, los celos, la venganza… Son temas presentes en la película, todos ellos interesantes, pero ninguno de ellos tratado con verdadera profundidad. Las cosas, simplemente, ocurren. Como dicen en Forrest Gump, “Shit Happens”. Los personajes (con Julia Roberts, Natalie Portman, Jude Law y Clive Owen) entrelazan sus vidas en un mundo en que el amor verdadero no existe y todo gira en función de pasiones y encuentros puntuales. Una fácil y resultona explicación del papel de la suerte en nuestras vidas. Quizá lo más destacable de Closer es el pesimismo descorazonador que destila a través de cuatro guaperas que no saben aprovechar las oportunidades de la vida ni encontrar nuevos caminos para la felicidad. Quizá el problema está en que no me lo acabo de creer.

La crítica de Closer fue muy buena. En general, se habla de una gran obra, sobre todo por el trabajo de los actores y actrices. Personalmente, todo me parece exagerado. ¿Es una buena película? Sí, de 6’5. O incluso de 7, porque tiene algo interesante. Pero no acierto a descubrir qué es. Quizá sea porque me resisto a aceptar la verdad que hay en la ceguera de algunas personas (personajes) y su incapacidad para afrontar adecuadamente los inconvenientes y oportunidades que nos brinda el juego de la vida. Lo dice alguien que hace menos de dos años era incapaz de levantarse de la cama.

Casino Royale

2007-10-15T17:50:00.003-07:00

Una película seria, totalmente diferente a sus predecesoras en la saga. Seguramente, la mejor de ellas, aunque no apta para aquellos que solo busquen acción y bromas sarcásticas.

En Casino Royale vemos a un James Bond que sangra (abundantemente, incluso después de una pelea), llora, se enamora, sufre, se equivoca. Incluso, en situaciones límite, necesita tomarse su tiempo para pensar. El malo malísimo de la película es un hombre acorralado al que le perdonan la vida, lejos de los superhombres de otras películas, y el objetivo de los protagonistas no es ni acabar con el mundo ni salvarlo.

Apenas hay dos grandes secuencias de acción, el resto son conversaciones, partidas de póker, sin tecnologías desbordantes. En definitiva, es una película bastante verosímil, violenta (incluso las peleas son mucho más reales y brutales), una buena trama en la que pesa tanto la acción como el drama de los personajes.

A todo esto cabe añadir que James Bond es un personaje titubeante (se supone que son los inicios del personaje, que acabe de ser fichado por M), que comete errores de bulto. Destacan un par de guiños: el martini no agitado y, finalmente, la última frase de la película, un acierto, el gran 007 vuelve a sus andadas tras su fracaso personal y, respondiendo a la pregunta “¿quién eres?” de un moribundo en el suelo, cierra Casino Royal con un “Bond, James Bond”.

Veremos si Daniel Craig sigue interpretando a un James Bond de carne y hueso o vuelve la acción imposible a ritmo de spot publicitario.

Ficha técnica

TITULO ORIGINAL Casino Royale (007)
AÑO 2006

DURACIÓN 144 min.

DIRECTOR Martin Campbell
GUIÓN Neal Purvis, Robert Wade, Paul Haggis (Personaje: Ian Fleming)
MÚSICA David Arnold
FOTOGRAFÍA Phil Meheux
REPARTO Daniel Craig, Eva Green, Mads Mikkelsen, Jeffrey Wright, Caterina Murino, Giancarlo Giannini, Simon Abkarian, Isaach De Bankolé, Jesper Christensen, Ivana Milicevic
PRODUCTORA Coproducción GB-USA-República Checa; EON Productions / MGM / Columbia Pictures
WEB OFICIAL http://www.casinoroyalemovie.com

Big Fish

2007-10-15T17:50:00.001-07:00

(Ojo que hablo del final de la película…)

La mejor película de Tim Burton. Por una vez, su mundo fantástico y excesivo tiene sentido y, lejos de desequilibrar la narración de una historia (eso es, en definitiva, una película), es imprescindible para explicar las aventuras del protagonista.

Big Fish es un padre de familia que pasa su vida explicando cuentos, los de sus propias experiencias, tremendamente exagerados pero fascinantes. Burton consigue enredar al espectador y que no sepa cuándo su personaje está diciendo la verdad. En realidad, no importa, esa es la moraleja de la película, tu vida será como un cuento de hadas si luchas hasta el fin por conseguirlo. Just do it, sólo tienes que creértelo.

A pesar de que en ocasiones sobra metraje, el final es inolvidable. Big Fish se encuentra en su lecho de muerte. Recuerda cada episodio de su vida a la perfección y lo cuenta con plenitud de detalles, pero esta vez necesita que su hijo le cuente el final de su propia historia: Big Fish es un gran pez impescable que debe volver al río, así que su hijo se lo lleva del hospital, lo mete en el coche, lo coge en brazos y lo lleva alegremente al agua (su padre está tan desvalido que no puede andar, se ha convertido ya en pez y, como tal, solo puede nadar). Por el camino, junto al agua, esperan sonrientes todos los personajes que han pasado por su vida, aquellos seres increíbles que parecían irreales están ahí, agradeciendo todo cuanto Big Fish hizo por ellos. Al final, sumergida hasta la cintura, espera su mujer, que le despide con el último beso y una sonrisa resplandeciente.

Lo más sorprendente del final es la espectacular alegría del momento. En realidad, es un cuento, y el padre muere en la fría cama de un hospital. ¿ O no? Él se fue convencido de lo contrario, y con eso basta. La vida es sueño, Burton nos absorbe magistralmente en uno de los suyos, y los sueños, sueños son.

Ficha técnica
Dirección: Tim Burton.
País: USA.
Año: 2003.
Duración: 125 min.
Interpretación: Ewan McGregor (Edward Bloom joven), Albert Finney (Edward Bloom mayor), Billy Crudup (William Bloom), Jessica Lange (Sandra Bloom), Helena Bonham Carter (Jenny/Bruja), Alison Lohman (Sandra joven), Robert Guillaume (Doctor Bennett), Marion Cotillard (Josephine), Matthew McGrory (Karl), Danny DeVito (Amos), Steve Buscemi (Norther Winslow).
Guión: John August; basado en la novela de Daniel Wallace.
Producción: Richard D. Zanuck, Bruce Cohen y Dan Jinks.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Philippe Rousselot.
Montaje: Chris Lebenzon.
Diseño de producción: Dennis Gassner.
Dirección artística: Jack Johnson y Richard L. Johnson.
Vestuario: Colleen Atwood.

Pequeña Miss Sunshine

2007-10-15T17:49:00.001-07:00

Este post habla del final de la película…).

Una agradable sorpresa para todos. Los primeros tres minutos de película ya indican que estamos ante una excelente película, con una presentación perfecta de los personajes que, además, están muy bien construidos. Un padre de familia obsesionado con una estúpida teoría económico social de invención propia, sobre la cual gira toda su carrera profesional, un auténtico fracaso, sin apenas importarte el resto. Un niño nihilista que se niega a abrir la boca porque odia todo lo que le rodea. Un tío que intenta suicidarse por un fracaso amoroso-profesional-social, y que aparece de rebote en esta casa de locos. Un abuelo que se agarra a los últimos años de su vida enganchándose a la heroína. Una mujer sensata, pero con los nervios destrozados que intenta gobernar el barco. Y, finalmente, una niña que quiere ganar el concurso “Little Miss Sunshine” a toda costa.

La película es una road movie que habla de los grandes objetivos y fracasos de la vida y de las cosas verdaderamente importantes. Como no podía ser de otra manera, los personajes evolucionan a lo largo del trayecto para conseguir un objetivo común. La secuencia final, el baile de la niña en el concurso, es un acierto original que da entrada a un final inesperado, en el que un grupo de absolutos fracasados de la vida vuelve a casa con una sonrisa porque se tienen los unos a los otros y, simplemente, ganas de vivir.

Little Miss Sunshine es una de aquellas películas que deja un gran sabor de boca (“La fortuna de vivir”). Pese a ser una historia mil veces vista, tiene una frescura especial. El casting es muy bueno, especialmente en el caso de la niña protagonista, y los directores (el matrimonio Jonathan Dayton y Valerie Faris) deben ser gente verdaderamente especial. Se trata de su primera película, y en los Extras DVD es sorprendente ver cómo, por ejemplo, permitieron a Abigail Breslin (la niña) proponer una final alternativo de la película, que llegaron incluso a rodar. En el negocio del cine no todo el mundo está dispuesto a hacer una cosa así. De momento, llevaron su película a ganar el Oscar al Mejor Guión y al Mejor actor secundario (Alan Arkin). Os seguiremos.

Ficha Técnica
TITULO ORIGINAL Little Miss Sunshine
AÑO:2006
DURACIÓN 101 min.

DIRECTOR Jonathan Dayton, Valerie Faris
GUIÓN Michael Arndt
MÚSICA Mychael Danna, Devotchka
FOTOGRAFÍA Tim Suhrstedt
REPARTO Steve Carell, Toni Collette, Greg Kinnear, Alan Arkin, Beth Grant, Paul Dano, Abigail Breslin
PRODUCTORA Fox Searchlight Pictures / Big Beach
WEB OFICIAL http://www2.foxsearchlight.com/littlemisssunshine/

Borat

2007-10-15T17:48:00.002-07:00

Una tomadura de pelo original. El formato innovador es, seguramente, lo único que quedará para el recuerdo. El resto no deja de ser una cámara oculta en la que, a diferencia de los programas de TV, a las ‘víctimas’ no se les cuenta la verdad. El resultado es un conjunto de gags, algunos de ellos divertidos, otros ofensivos hasta la vergüenza, para pasar el rato.

Antes de ver la película alguien me dijo: “¿Te gusta Torrente? Es el mismo rollo”. No estoy de acuerdo. Aunque es cierto que Borat también tiene algún chiste escatológico, Torrente no es una película seria. Quiero decir que los personajes de la película de Santiago Segura son actores que siguen un guión preestablecido, cosa que no ocurre en Borat. Es precisamente el hecho de que “va en serio” lo que la convierte en una película excepcional. Así consigue que algunas bromas sean más divertidas, y otras, a mi parecer, no tengan ninguna gracia (por ejemplo, el intento de secuestro de Pamela Anderson).

Mientras que Michael Moore intenta destripar la ideología política de la sociedad americana, Borat simplemente se ríe de la gente. No hay apenas una crítica social detrás de cada gag, y de esta manera la película se convierte en una sencilla secuencia de tomaduras de pelo.

Ficha técnica
TITULO ORIGINAL: Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan
AÑO: 2006 Ver trailer externo
DURACIÓN: 84 min.
DIRECTOR: Larry Charles
GUIÓN Sacha Baron Cohen, Anthony Hines, Peter Baynham, Dan Mazer
MÚSICA Erran Baron Cohen
FOTOGRAFÍA Anthony Hardwick, Luke Geissbuhler
REPARTO Sacha Baron Cohen, Pamela Anderson, Ken Davitian, Pat Haggerty, Alan Keyes
PRODUCTORA 20th Century Fox
WEB OFICIAL http://www.boratmovie.com/

El circo Sardà ha vuelto

2007-10-15T17:48:00.001-07:00

Había oído buenos comentarios sobre el nuevo programa de Sardà, Javier (o Xavier?, últimamente los confundo). Dutifri, domingos por la noche, primetime, of course. La cosa consiste en enviar a Sardà a que nos enseñe el mundo ("su" mundo).
Hace un par de semanas vi unos minutos de su viaje a Thailandia: Sardà se quitaba los pantalones y se quedaba en calzoncillos porque se suponía que le habían tirado café encima + entrevista con una mujer que quería casarse con un español a toda costa + entrevista a un transexual y análisis de su reciente operación en esos lugares de Dios. Y, pensé yo, ¿qué necesidad tiene Sardà de irse a Thailandia para hacer su programa de siempre?

Ayer vi otro rato de su programa: viaje a Roma y visita a Alessandro Lequio y su antiguo palacio. Promete, ¿verdad? Por cierto, en la publi de hace dos semanas se me ocurrió (qué error) poner el K33: documental sobre una tipa curiosa que se fue de NY tras el 11S. Ahora quiere volver y, desde la otra punta del país, entrevista a gente corriente, cómo afectó el atentado a sus vidas, mezclando parte de la biorafía de todos ellos (un segurata del Grand Canyon, un tipo que vive en la frontera con México, todos ellos con historias que contar). Recuerdo poco más porque estaba absorto en el apasionante mundo Sardà, si alguien vio el documental o tiene más información sobre él por favor que lo comparta. Ya sabéis, para hacer tiempo hasta el domingo por la noche...

Traductores sin cobrar

2007-10-15T17:44:00.003-07:00

Cuando en una película el guión fracasa estrepitosamente en un punto determinado, mi padre tiene la teoría de que el guionista no había cobrado cuando escribió esa secuencia concreta. Esta teoría es la única explicación razonable que encuentro a algunas traducciones en los títulos de las películas.

En un post anterior, por ejemplo, hablábamos de "Afterhours", traducida como "Jo, qué noche". Me imagino la noche que debió pasar el traductor horas antes de titular de esta manera la película de Scorsese. "Avanti!", de Billy Wilder, se tituló aquí como "¿Qué ocurrió entre mi madre y tu padre?"...

Hay varios blogs en internet sobre este tema, ninguna de ellos especialmente recomendable. La mayoría se centran en errores de traducción, como en "Road to Perdition", traducida como "Camino a la perdición", cuando Perdición, en la película de Sam Mendes, es un pueblo, de manera que debería haber sido "Camino de Perdición".

Sin embargo, personalmente prefiero el talento de los traductores sin cobrar, que se dan un homenaje impagable. Ahí van otros ejemplos:

the sun also rises -fiesta
love in the afternoon- ariane
the spirit of sant louis -el héroe solitario
stalag 17 - traidor en el infierno
a foreign affair - berlín occidente
paint your wagon - la leyenda de la ciudad sin nombre
sleepless in seattle - algo para recordar
Harold & Kumar Go To Whitecastle-Dos Colgaos Muy Fumaos
the pacifier - un canguro superduro
Detroit Rock City - cero en conducta
the sound of music - sonrisas y lágrimas
the searchers - centauros del desierto
heartburn - se acabó el pastel
michel vaillant - 24 horas al límite
one tough cop - acariciando la muerte
my man godfrey - un mayordomo aristócrata
the land girls - amores en tiempos de guerra
the fortune - dos pillos y una herencia
viva django - el clan de los ahorcados
sunset boulevard - el crepúsculo de los dioses
go west - el rey de los cowboys
hog wild - la banda de los tocapelotas
doin' time - la prisión de los chiflados

En algunos casos, el traductor sin cobrar mantiene el título original, pero se desquita añadiendo un subtítulo vengativo. Es el caso de "Braindead", aquí "Braindead, tu madre se ha comido a mi perro".

Y, como diría Monegal, unas perlas para terminar:

Weekend at Benny's - Este muerto está muy vivo
Ice Princess - Soñando soñando, triunfé patinando
Up the creek - Los albóndigas en remojo

Tarantino vs...

2007-10-15T17:44:00.001-07:00

La noche del viernes, cuando finalmente se durmió la niña, necesitábamos ver una buena película. No éramos adictos con mono, simplemente se trataba de una maniobra de escapismo, como dice la canción de LOL. Así que tiramos de ese gran invento que ocupa poco espacio en el salón y que contiene 80GB de disco duro para grabar películas.

Empezamos con "El próximo año, a la misma hora", una comedia de Alan Alda y Ellen Burstyn, dirigida por Robert Mulligan. Aguantamos poco más de 15 minutos, por aburrida y muy poco interesante. Probamos entonces con "Esposa para dos", una comedia de Sandra Dee y Bobby Darin. Cursi, simplona, de diálogos bobos y con una trama menos interesante que la película anterior, bajamos el listón a los 10 minutos.

Entonces recuperé una de las películas favoritas de 33-rpm, "Jó, qué noche", uno de aquellos ejemplos que pone en entredicho el criterio de quienes traducen el título de las películas (el original es "Afterhours"). Catalogada como una comedia, es una película sórdida y claustrofóbica de Martin Scorsese. Cuenta con un reparto de secundarios espectacular, todos ellos personajes perdedores y perdidos, que no es lo mismo, muy bien construidos. Todos ellos tienen interés, podríamos hablar durante horas sobre la historia de cada uno. La película tiene mérito, aunque no deja de ser una obra menor, casi un corto de 90 minutos o un cuento más de la Nueva York de Paul Auster.

Pero "Afterhours" no es la protagonista de este post. Cuando acabamos de verla, mientras comentábamos la película pinchamos BTV: Four Rooms, ese ejercicio que supuso juntar a cuatro directores para que contaran su historia en un mismo hotel. Charlando vimos a medias el tercer capítulo, de Antonio Banderas. Luego llegó Tarantino...

Fue lo mejor de la noche. Ni Alan Alda, ni Bobby Darin, ni siquiera un largo de Scorsese pudieron con una historia de 10 minutos de Tarantino, a pesar de que era la cuarta o quinta vez que veía Four Rooms. Y no destaco tanto el fondo como la forma. El contenido te puede gustar más o menos, es el Tarantino de siempre (confieso que no he visto sus Kill Bill todavía), pero la introducción de los personajes es una absoluta obra maestra. Durante cinco minutos, aproximadamente, usa una única cámara, sin cortes, como en una obra de teatro, y se mueve en una suite del hotel, entre tres ricachones borrachos, la novia de uno de ellos y un botones pasado de vueltas.

Insisto en que la historia no tiene importancia. Vale la pena (casi debería ser una obligación para todo aficionado al cine), atender a los movimientos de la cámara en esta larga secuencia. De una simplicidad mayúscula, consigue crear una atmósfera inquietante, una descripción perfecta de todos los personajes, con apenas un par de pinceladas, un gesto, una mirada que la cámara capta por supuesta casualidad, en un ejercicio de falsa espontaneidad, que demuestra el cálculo soberbio de Tarantino, su cuidado por los detalles y su trabajo impecable como director.

Sin duda, una victoria por goleada. 33-rpm, te reto a que revises tu "Afterhours" y la compares con la habitación de Tarantino. Mientras a Scorsese le sobra metraje, a Tarantino le sobra talento para conseguir el KO en 10 minutos.

*Imágenes: cartel de "El próximo año, a la misma hora"; Sandra Dee y Bobby Darin, además de protagonizar la insufrible "Esposa para dos", fueron marido y mujer en la vida real; cartel de "Afterhours"; cartel de "Four Rooms"

Cinema Paradiso

2007-10-15T17:43:00.001-07:00

Cuando uno graba una película del Canal Cosmpolitan no tiene grandes expectativas. No obstante, sabía que es todo un clásico (la película) y no había tenido ocasión de verla hasta ayer. Sin duda, una película preciosa y emocionante, como todo el mundo dice. Se ha escrito y dicho mucho sobre esta película y no vamos a descubrir nada nuevo.

A las dos de la mañana, con la voz aún entrecortada tras ver la última secuencia de la película, mi mujer y yo discutíamos sobre el sentido del final de la película, y, sobre todo, sobre las sensaciones que te quedan en el cuerpo. La gente habla de Cinema Paradiso como una de aquellas películas que te reconcilia con la vida, que te deja con una sonrisa inocente y profunda. Personalmente, no creo que el mensaje de la película sea optimista, aunque siempre es reconfortante descubrir una nueva relación de amistad, o de amor, como la de los protagonistas.

Me quedé con el corazón encogido, y defendí "La fortuna de vivir (Les infants de Marais)" como una verdadera película optimista, capaz de emocionar y mantener una sonrisa hasta los créditos finales. Con esto, no quiero decir que una película sea mejor que otra, simplemente discrepo sobre el posicionamiento global que Cinema Paradiso tiene como película "de buen rollo".

Otro punto de acuerdo popular es la belleza de la banda sonora de Morriconne, que me decepcionó bastante. Calvin (de Hobbes) dice, tras sacar un cero en un examen, que "tu vida será más fácil cuando más bajas mantengas las expectativas de los demás". Quizá éste haya sido mi problema, y esperara demasiado de Morriconne. Si bien es cierto que consigue transmitir muy bien la nostalgia del recuerdo, sin llegar al dramatismo, y la ingenuidad de la mirada de un niño. Pero el mismo motivo musical se repite una y otra vez, y acaba siendo demasiado repetitivo y dulzón.

En resumen, una película del todo recomendable. Por cierto, el director, Giuseppe Tornatore, está preparando una obra sobre Leningrado. El niño, Salvatore Cascio, sigue trabajando para el cine y TV, aunque no ha repetido ninguna actuación destacable. EL adolescente, Marco Leonardi, fue el protagonista de "Como agua como chocolate", y sigue haciendo películas, como la reciente "Maradona, la mano de Dios".

Y en cuanto al Canal Cosmopolitan, merece cierto seguimiento. Es gratuito (dentro del paquete del Plus) y de vez en cuando se encuentran joyas como esta.

Sigaesecoche

2007-10-15T17:27:00.000-07:00

Es una de las grandes frases de la historia del cine. Dará cobijo, probablemente, al mundo del cine.Todo saldrá bien, ¿de acuerdo?